« Il faut brûler Maman » de Albert Dupontel, avec Albert Dupontel, Louise Coldefy, Julia Piaton, Artus. La farce est un genre difficile, qui exige un bon dosage des ingrédients et une mécanique parfaitement huilée dans l’exécution. Malgré les moyens financiers mis à sa disposition, une belle équipe de comédiens, des personnages bien campés et les sujets qui fâchent à souhait et donnent ainsi d’autant plus matière à en rire : la mort d’une mère aimante et aimée néanmoins reléguée à l’Ehpad, son fils un peu neuneu et ses deux filles trentenaires sans liens affectifs et sans enfants en mal d’amour, la grève du personnel de l’entreprise funéraire familiale le jour de la crémation de la défunte patronne et un employé zélé et amoureux, Albert Dupontel nous sert ici un plat sans saveur. Comment cela est-il possible ? La faute en revient à cette comédie mal maitrisée, qui part dans tous les sens, où en guise du feu d’artifice escompté l’on a droit qu’à des pétards mouillés et des fumigènes irritants pour nos yeux. Sans parler de l’interminable numéro d’Artus, sous emprise d’ivresse, dont la plupart des mots ne parviennent pas jusqu’à nos oreilles. Au point que ce film de 1h 21min seulement m’a paru… long. Un comble ! Albert Dupontel déclare avoir eu recours à l'IA dans l’écriture de son nouveau film. Ceci expliquerait-il cela ? https://www.youtube.com/watch?v=-Zfcbsn9NW8

« Wild Horse Nine » de Martin McDonagh, avec Sam Rockwell, John Malkovich et Steve Buscemi. Après « 3 Billboards » (2018) et « Les Banshees d'Inisherin » (2022), le cinéaste irlandais Martin McDonagh nous propose un film beau comme une pièce de Samuel Beckett. On songe tout particulièrement à « En attendant Godot », le chef-d’oeuvre poético-métaphysique de l’auteur irlandais, axé principalement autour de trois comédiens : Vladimir, Estragon et Pozzo. Martin McDonagh nous offrant ainsi un drame constitué de dialogues tout aussi absurdes mais terriblement politiques et ancrés dans une terrifiante réalité : les protagonistes étant tous les trois des agents de la CIA. Ici, entre deux missions, Vladimir, alias Chris (John Malkovich) et Estragon, alias Lee (Sam Rockwell) sont envoyés par leur patron Pozzo, alias MJ (Steve Buscemi) en villégiature dans l’île de Pâques. Un repos bien mérité pour ces deux agents américains, qui viennent d’achever à Santiago la mise au point secrète avec les futurs dictateurs militaires chiliens du coup d'État de 1973. Avec toutes les conséquences que l’on sait… Mais entre la découverte des célèbres statues géantes et neuf chevaux sauvages errant dans les parages, nos héros vont-ils se contenter à jouer les touristes ? Qu’attendent-ils donc sinon la mort ! Atteint d’un cancer généralisé, Chris, qui s’est illustré dans la carrière dix ans plus tôt avec l’assassinat à Dallas de John Fitzgerald Kennedy, décide de rédiger ses mémoires. Sous la haute surveillance de Lee, chargé par leur patron MJ de faire disparaitre toutes traces de ce brûlot révélant le rôle primordial de la CIA dans cet épisode historique. Le film ne serait-il que le prétexte à un remarquable échange dialogué entre deux comédiens virtuoses jouant les personnages d'une thèse complotiste ? Quoiqu'il en soit, par les temps actuels, ce film, croyez-moi, c’est de la bombe ! https://www.youtube.com/watch?v=6DWTU96IPSc

« Club Kid » de Jordan Firstman, avec Jordan Firstman, Reggie Absolom, Diego Calva et Cara Delevingne. Alors qu’il n’a jamais couché avec une femme, un homosexuel new-yorkais gay, festif et cocaïnomane à donf découvre, contre toute vraisemblance, qu'il est le père d'un garçon d'une dizaine d'années ! Malgré les ingrédients convenus, limite bisounours, propres à cette comédie sympatoche et branchée en faveur du droit à la paternité dans la différence, on découvre un authentique film indépendant américain. New-yorkais, forcément new-yorkais ! Premier long métrage de Jordan Firstman, qui signe également le scénario et interprète le rôle principal, « Club Kid » a été l'un des coups de cœur du dernier Festival de Cannes. On a même évoqué à son sujet le « Gloria » (1980) de John Cassavetes, avec Gena Rowlands dans le rôle d’une call-girl amenée à s’occuper d’un gamin de six ans et de s’enfuir avec lui pour échapper aux tueurs à gages à sa poursuite. Il y a un peu de ça, notamment dans la confrontation entre un acteur adulte et un enfant, malgré un contexte différent. Ici, le père consanguin, confirmé par les analyses ADN, ce dont témoignait déjà leur partage d’une identique playlist , va t-il parvenir à répondre à l’attente d’un fils à la recherche de repères affectifs stables et durables : sa mère vient de se suicider à Londres, où il a été élevé ? Comme on le voit, un sujet lourd en milieu urbain déjanté, avec des personnages particulièrement cabossés. Le contrat d’amour sera t-il réussi ? Contentons-nous de dire qu’après moulte difficultés, l’amour finira par l’emporter sur l’adversité… https://www.youtube.com/watch?v=uD5JAfk0o1Q

« Hope » de Na Hong-jin, avec Jung-Min Hwang, In-sung Zo, Jung Ho-Yeon et Michael Fassbender. Hope, c’est le nom de la paisible petite cité portuaire à la population vieillissante, en lisière de forêt et de champs minés à la frontière de la Corée du Nord, mais c’est aussi la traduction du mot espoir, en anglais. C’est surtout le lieu du crime de ce film tout à la fois d’action échevelée, d’horreur plein de corps atrocement mutilés et noyés d’hémoglobine, et de science-fiction éthérée. Un cauchemar cosmologico-comique, qui n’est pourtant pas à priori mon genre, et que j’ai proprement adoré. « Quand tout ce que vous voyez n’a plus de sens à vos yeux, c’est qu’il est tant de changer de destin ». Telle est la morale de cette histoire magistralement mise en images, naturelles et artificielles, par le cinéaste sud coréen Na Hong-jin. Un film d’auteur, en définitive, aussi effroyable que jubilatoire et sur lequel il n’est pas nécessaire d’épiloguer. Sinon que ça part tout en douceur et ne cesse d’aller crescendo. Une succession de rebondissements, qui nous tiennent en haleine durant plus de deux heures trente. Une course poursuite aux monstres débridée, menée par des acteurs qui ne ménagent pas leur énergie et plein de personnages hauts en couleur. Citons, parmi tant d’autres, la scène où la médecin autopsie avec rage le cadavre immonde de la bête qui a semé la terreur dans toute la région. Anthologique ! https://www.youtube.com/watch?v=0R6TmYtmwh8 

« Irish Travellers » de Alexander Murphy, avec Pa et Lisa O'Reilly et leurs dix enfants. Le long d'une route perdue de la campagne irlandaise, une famille nombreuse de gens du voyage survit, essentiellement d’allocs, dans de vieilles caravanes avec leurs chiens et leurs chevaux. Un film documentaire beau comme un film de fiction ! Qui n’est pas sans rappeler d’ailleurs « Home » (2008) de Ursula Meier, avec Isabelle Huppert et Olivier Gourmet. Un temps gêné par notre position de voyeurs privilégiés, plongé au coeur de l’intimité de cette famille particulièrement précaire, dont la seule adresse fixe est la tombe des parents disparus au cimetière local, nous sommes vite rassurés grâce aux liens indéfectibles liant chaque membre de la tribu. Un amour et un respect qui permet à cette famille chrétienne, isolée de sa communauté d’origine et ostracisée par certains habitants, de conserver entière toute sa dignité : les enfants sont scolarisés, vont à la messe, font leur communions solennelles et le fils ainé trouvera une épouse selon l’usage clanique, naissance d'un onzième bébé... Un film proprement ethnographique, aux allures de fable entre la tradition et la modernité, se déroulant sur quatre saisons. Certes, nous ne saurons pas pourquoi le père, déjà condamné cinq fois, devra aller passer quelques mois en prison, ni comment cette famille, qui a refusé un logement social dans un lotissement trop populeux à son goût, a trouvé les moyens de remplacer leurs vieilles caravanes délabrées par des mobil-homes rutilants ? À chacun sa propre interprétation ! h ttps://www.youtube.com/watch?v=rK_E5reoeTM

« Moulin » de László Nemes, avec Gilles Lellouche, Lars Eidinger et Louise Bourgoin. Prenez un grand cinéaste, tel le Hongrois László Nemes, qui réalisa « Le Fils de Saul » (2015), Grand Prix au Festival de Cannes et Oscar du meilleur film en langue étrangère cette même année. Donnez-lui pour le rôle titre un acteur de premier plan et bancable , comme Gilles Lellouche, par ailleurs réalisateur reconnu. Ajoutez un bon scénario centré sur la dernière mission, en juin 1943, de Jean Moulin et son arrestation par Klaus Barbie, le chef de la Gestapo de Lyon, marquant ainsi le début d’un impitoyable chemin de croix… gammée, où le héros emblématique de la Résistance française, interrogé sans pitié et torturé à mort, gardera le silence jusqu’à la fin. Toutes les conditions n’étaient-elles pas réunies pour faire un chef-d’oeuvre ? Pourquoi alors suis-je resté durant toute la projection à distance du film, sans jamais passer de l’autre côté du miroir et être emporté par l’émotion ? Ce que je subodorais à priori, s’est confirmé, hélas ! Malgré toutes ses qualités personnelles, Gilles Lellouche, à la maturité et à la virilité trop affirmées, n’était pas l’acteur idoine pour incarner le personnage de Jean Moulin, icône définitivement juvénile et d’apparence plus sensible, quasi féminine de notre Histoire nationale. C’est comme si on avait demandé à Jean Gabin d’endosser le rôle de Federico García Lorca ! Et pourquoi le scénariste a t-il cru bon d’introduire ce personnage de comtesse de Forez, interprété par Louise Bourgoin : une cliente de Jean Moulin, lui permettant de justifier ainsi sa venue à Lyon sous le masque d’un pseudo décorateur d’intérieur et qui va s’enticher de lui ? Etait-ce pour donner une touche virginale à la mise en scène lyrique, empreinte de religiosité de László Nemes, qui n’hésite pas à hisser le héros du film au niveau du martyr ? Seul Lars Eidinger m’est apparu juste et convaincant dans son rôle de Klaus Barbie. C’est un peu court pour un potentiel chef-d’oeuvre, réduit ici à un terrifiant jeu du chat et de la souris entre le résistant et son tortionnaire. Je comprends mieux, dès lors, pourquoi ce film, présenté en compétition au dernier Festival de Cannes, n’ait pas permis aux membres du jury de lui accorder le moindre prix. https://www.youtube.com/watch?v=E7UBVcusWk0

« La Gradiva » de Marine Atlan, avec Antonia Buresi, Colas Quignard, Suzanne Gerin et Mitia Capellier-Audat. Les films sur l’adolescence sont terriblement casse-gueules ! Cette période de la vie, où les questions existentielles et les sentiments surgissent dans toute la puisssance de leur primauté, ne supporte guère l’à-peu-près. Aussi convient-il de se réjouir quand, comme celui-ci, le film est réussi ! Plaisir accru ici par la découverte d’un premier long métrage d’auteur et la fraîcheur de jeunes acteurs vierges de toute apparition antérieure, à l’exception notable d’Antonia Buresi, remarquable dans le rôle de la professeur. Sur les pas d’un groupe de lycéens français et de leur accompagnatrice, Marine Atlan, nous emmène en voyage scolaire à Naples pour découvrir les ruines de Pompéi, ses fresques multicolores et ses corps pétrifiés par le Vésuve, ainsi que la splendeur des sculptures antiques de son célèbre Musée archéologique national et nous entraîne dans leurs pérégrinations à travers les rues grouillantes et chaotiques de cette cité sans pareil. Le scénario, la justesse des dialogues, la violence des sentiments et la beauté des paysages ont permis à « La Gradiva » (que l’on peut traduire par « Celle qui marche ou qui avance »), d’emporter, à juste titre, le Grand Prix de la Semaine de la Critique au Festival de Cannes 2026. Mais par quel étrange hasard, ce film qui aborde frontalement les angoisses de jeunes élèves dont le destin est suspendu aux réponses de Parcoursup sort-il sur nos écrans en pleine vague de manifestations lycéen.nes, plaçant ainsi ce film générationnel au coeur de l’actualité ? Il faut dire que les éruptions volcaniques, comme les drames personnels, nous surprennent toujours au moment où l’on s’y attend le moins ! h ttps://www.youtube.com/watch?v=yUywJSrVu8w

« Minotaure » de Andreï Zviaguintsev, avec Dmitri Mazourov, Iris Lebedeva, et Boris Koudrine. On ne peut pas dire que ce soit le meilleur film du réalisateur de « Léviathan »(2014) et de « Faute d'amour » (2017), ni le plus original, puisque il s’agit d’un remake de « La Femme infidèle » (1969), de Claude Chabrol. Mais cela reste néanmoins une oeuvre fascinante, où l’on retrouve la patte narrative singulière de Andreï Zviaguintsev, récompensé du Grand Prix du Jury au dernier festival de Cannes. Le drame conjugal sur fond de dénonciation de la bourgeoisie française des Trente Glorieuses est transposé ici dans un coin de Russie reconstituée, à l’aube du conflit avec l’Ukraine, dans une famille représentative d’oligarques d’aujourd’hui. Un sujet pas forcément exaltant, puisque le bonheur de quelques privilégiés se paye ici du malheur de tant d’autres : l’amant opportun où les chômeurs engagés à la dernière minute pour remplir le quota d’employés devant partir à la guerre. Le père de famille de notre histoire, tel le héros de légende, parviendra à sortir sa famille du labyrinthe poutinien, grâce à son sens inné de l’adaptation au réel, son savoir-faire de chef d’entreprise et son réseau bien entretenu de bonnes relations. Un égoïste rusé, qui parviendra ainsi à retrouver l’amour de son épouse et l’estime de son fils. Pas très moral, cet Ulysse orthodoxe, dans un monde chaotique où la religion ne fait déjà plus que de la figuration ! Mais on peut aussi se demander par quel opportunisme politique le film du cinéaste russe, exilé en France depuis plusieurs années, a-t-il été choisi pour représenter notre pays aux Oscars ? h ttps://www.youtube.com/watch?v=Nh5CxJUiMIQ

Gaza mon à mort « NAZA » de Yuval Abraham et Rachel Szor. J’ai enfin pu voir Naza et comme tous ceux qui ont assisté aux projections, désormais je ne pourrais plus dire que je ne savais pas. Le film documentaire des journalistes israéliens Yuval Abraham et Rachel Szor, primé à la Mostra de Venise, est construit autour des témoignages de 24 soldats et officiers du renseignement israélien. Placés à des postes très convoités, ces jeunes gens généralement issus de la bourgeoisie supérieure de Tel Aviv, plutôt de gauche, nous donnent à entendre et à comprendre quelle fut la réponse du gouvernement de Benjamin Netanyahou et de l’armée israélienne à la suite des massacres du 7 octobre par le Hamas. Rien de plus ni de moins qu’un génocide programmé ! Tous les Gazaouis plus ou moins liés au Hamas furent identifiés et localisés grâce à leurs portables et, à l’aide le l’IA, ciblés pour être massacrés chez eux, au sein de leur famille. Les Nazas, acronyme de « nezek agavi » terme neutre traduisible par « dommages collatéraux » désignant les parents, conjoints et enfants des personnes visées. Curieux mot-valise où l’on entend Nazi et Gaza. Comment passe t-on de victime à bourreaux ? Après ça, que dire, que faire, face à ceux qui ne veulent ni voir ni entendre et aux responsables toujours en situation ? h ttps://www.youtube.com/watch?v=jvDM9zb4v2Y